Epidermica.
Discorso sulla superficie delle cose

di Ivan Quaroni

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Nell’orizzonte della giovane scultura italiana è in corso un processo di recupero della manualità, intesa non solo come disciplina operativa, ma anche come occasione di scoperta e di verifica delle potenzialità espressive di materiali d’uso comune.
Nell’ambito delle più recenti ricerche plastiche, molti artisti hanno adottato modalità di rappresentazione legate a formule figurative, concentrandosi soprattutto sulle qualità tattili e visive dei supporti e privilegiando, per così dire, il gioco dei pattern e delle texture.
Chris Gilmour, per esempio, riproduce in scala reale, e fin nei minimi dettagli, oggetti come automobili, motociclette, sedie a rotelle e macchine per scrivere, servendosi di un materiale di facile reperibilità come il cartone da imballaggio. Il torinese Paolo Grassino, invece, ricopre le sue apocalittiche sculture con fogli di PVC schiumato, comunemente usati nella produzione di manufatti d’uso domestico, mentre l’abruzzese Gino Sabatini Odoardi, attraverso un processo di termoformatura, riveste le sue composizioni di oggetti di un’algida e raffinata patina di polistirene. C’è infine chi, come Maurizio Savini, costruisce sculture e installazioni usando la gomma da masticare.
In tutti i casi sopra citati, emerge un interesse specifico da parte degli artisti per l’effetto visivo e segnico del manufatto, che diventa elemento fondante nella costruzione semantica dell’opera. Non è dunque una riflessione sulla forma, in quanto struttura capace di rimandare alla funzione degli oggetti, il trait d’union delle più recenti ricerche scultoree, quanto piuttosto l’attenzione per materiali e superfici che favoriscono il dischiudersi di nuove possibilità interpretative attraverso inaspettati slittamenti semantici.

Anche il lavoro di Michele Giangrande si svolge nel solco di questa nuova sensibilità plastica. Nato a Bari nel 1979, l’artista ha, infatti, elaborato un originale modus operandi, che consiste nel ricoprire gli oggetti quotidiani con un rivestimento realizzato nei più disparati materiali, come cerotti ed elastici, silicone ed erba sintetica o addirittura vere piume d’uccello. In questo modo, i giocattoli, gli strumenti musicali, le armi e gli altri utensili scelti da Giangrande acquistano una nuova epidermide, una sorta di seconda pelle che ne altera non solo l’apparenza, ma anche il significato. Effettivamente, una volta rivestiti da una griglia ordinata di cerotti oppure da una fitta rete di punti di silicone o ancora da un’intricata maglia d’elastici o, infine, da scampoli di finto prato, gli oggetti di Giangrande acquisiscono una nuova identità, frutto di un mutato rapporto tra l’originaria funzione d’uso e il nuovo rivestimento dermico. Insomma, diversamente dai ready made di duchampiana memoria, quelli di Giangrande sono oggetti modificati nella sostanza, poiché l’artista non si limita a prelevarli dalla realtà quotidiana, ma li trasforma radicalmente per mezzo di una manipolazione disciplinata e paziente, che da un lato conserva il simulacro degli oggetti e dall’altro ne altera l’aspetto.
Un esempio tipico della cortocircuitazione semantica innescata dall’artista è rappresentato dalle opere della serie Amici per la pelle, e in particolare da quelle che compongono l’installazione intitolata La Giostra. Si tratta di oggetti interamente ricoperti da una compatta membrana di cerotti, applicati con precisione meticolosa tanto da formare un’affascinante texture geometrica. L’effetto finale è ambiguo e contraddittorio, poiché mentre il colore dei nastri adesivi richiama esplicitamente la pigmentazione della cute umana, la severa disposizione cartesiana degli stessi impedisce il compimento di questo meccanismo identificativo. Certo, Giangrande allestisce un sottile gioco allusivo: evoca la pelle con i cerotti, i quali sono già, in origine, dermo-mimetici, ma in verità il suo gesto estetico mira a sovrapporre due concetti, in altre parole due funzioni diverse, quella dell’oggetto e quella del rivestimento, al fine di suggerire nuove possibilità interpretative. In questo caso, l’applicazione di cerotti su giochi e oggetti legati al mondo dei bambini (il cavallo con le ruote, la carrozzina, il triciclo, la macchinina, la bicicletta) suscita immediatamente un senso d’allarme, dovuto forse all’avvertimento sottinteso di una ferita inflitta ai danni dell’infanzia. Ed è questo anche un primo segnale della tendenza di Giangrande ad intrattenere con la realtà non solo un rapporto ludico, ma anche critico, che invita l’osservatore ad interrogarsi sul senso ultimo delle cose.

Mentre il rivestimento degli oggetti di Amici per la pelle può essere inteso come una seconda pelle artificiale, quello delle opere delle serie Legami e Degni di nota, costituite rispettivamente da giocattoli e strumenti musicali, può essere interpretato come una corazza protettiva. Questi lavori, infatti, sono ossessivamente ricoperti da piccoli punti di silicone, che formano un pattern di morbidi aculei. Anche qui Giangrande innesca uno slittamento di senso, sottraendo al manufatto la funzione originaria, ma l’intento è maggiormente ironico e l’effetto meno drammatico. Il modus operandi è ancora quello pazientemente e meticolosamente governato da un senso di horror vacui. Basti pensare che, oltre a oggetti di dimensioni relativamente contenute quali un violino, un triciclo o un grammofono, l’artista si è cimentato addirittura nell’arduo compito di ricoprire la superficie di un vero contrabbasso.
Lo stesso tono lieve e scanzonato hanno le opere umoristicamente intitolate Evergreen, le quali sono per l’appunto inguainate in un guscio composto di strisce d’erba sintetica, poi installate su di un tappeto dello stesso materiale, che forma una sorta di piccola prateria artificiale. In questo modo gli oggetti risultano confusi con l’ambiente, quasi mimetizzati. La qual cosa è tanto ironica quanto paradossale, considerato che l’operazione di Giangrande consiste proprio nel depotenziare, attraverso il rivestimento, la somiglianza con l’oggetto originario e dunque nell’attenuarne l’impronta mimetica. Tutte le sue opere, infatti, sono anti-mimetiche proprio perché non sono (più) unicamente ready made, ovvero oggetti semplicemente prelevati dal quotidiano e quindi decontestualizzati. Invece, nell’installazione Evergreen sono questi stessi manufatti che si mimetizzano con la loro nuova matrice, fino a confondersi con la sostanza di cui è fatta la loro scorza.

Avvolti in un intricato viluppo di elastici multicolori sono, invece, i lavori della serie Elasticità di pensiero, che spaziano da oggetti comuni, come bottigliette di Coca Cola, lucchetti e binocoli, fino a quella che può considerarsi una vera e propria armeria, con un pugnale, una pistola, un fucile Winchester e un set di bombe. Viene da pensare che ci sia un riferimento ai venti di guerra che nell’ultimo decennio hanno percorso il pianeta con furia rinnovata, dall’Afghanistan all’Iraq, dalla Palestina al Bangladesh, dal Sudan alla Somalia. Oppure al quotidiano clima di violenza che affligge le metropoli di tutto il mondo. O, ancora, alle stragi nelle scuole e nei campus americani, dal massacro di Colombine alla carneficina della Virginia Tech University. Invece, a ispirare queste opere di Giangrande è il ricordo di un’altra guerra, quella meno offensiva che faceva da bambini, quando si costruivano rudimentali pistole di legno per sparare gli elastici contro gli avversari. Adesso, Giangrande si affida alla forza compressiva degli elastici per reprimere il simbolico potenziale distruttivo rappresentato dalle riproduzioni in scala reale delle armi. Eppure, sembra che l’uso appropriato di questo materiale non basti a neutralizzare il pericolo. Serve, ancora una volta, l’ironia. Come nel caso del lavoro sarcasticamente intitolato Ormai siamo alla frutta, realizzato con i modelli di tre bombe, chiamate nel gergo militare pinapple, apple e lemon.

Una delle caratteristiche principali del lavoro di Giangrande consiste nella sua particolare facilità a relazionarsi con lo spazio, a concepire progetti che travalicano la dimensione consueta delle sculture. Questa attitudine era già presente nell’installazione site specific intitolata Un uovo mondo, realizzata sul tetto dell’area riservata al check in dell’aeroporto di Bari e composta da un grande planisfero costruito con oltre ottomila uova. Un’opera organica, quindi effimera per natura, in cui Giangrande, facendo leva sull’ambiguità fonetica del titolo, induce l’osservatore a riflettere sul mutato rapporto tra l’individuo e la società sviluppatosi in conseguenza dei flussi migratori e della nuova economia globalizzata. Il riferimento all’uomo non si ricava, infatti, dal solo riferimento geografico, ma piuttosto dalla texture cromatica delle uova che, come le opere ricoperte di cerotti, richiamano il colore dell’epidermide umana. L’uovo, poi, oltre ad essere uno dei più antichi simboli della vita, è anche un rimando al mondo degli uccelli e, dunque, ai flussi migratori.
Un’analoga stratificazione di significati è presente nella nuova installazione intitolata Le Torri di Babele, anch’essa eseguita con materiale organico, attraverso uno scrupoloso assembramento di migliaia di cialde comunemente usate per fabbricare i coni gelato. Le due costruzioni, caratterizzate da una struttura elicoidale, sul modello del famoso minareto al-Malwiyya della moschea di Samarra o della celebre torre dipinta da Peter Brughel, ripropongono il tema biblico della superbia punita. La hybris, come la chiamavano i greci antichi, è uno dei peccati più gravi in quanto consiste nella sconsiderata pretesa da parte dell’uomo di eguagliare l’opera divina.
Duplicando la figura della torre di Babele, l’artista innesca l’ennesimo slittamento di senso. Così, all’allegoria babelica si sovrappone evidentemente il più recente dramma delle Twin Towers, interpretato dall’estremismo islamico come un atto di punizione divina per la superbia economica, politica e militare del sistema americano. L’ installazione di Giangrande diventa, allora, un monumento effimero alla fragilità umana, edificato con un elemento corruttibile come il cibo (le cialde). Un cibo dolce, però, che rimanda ad un altro peccato capitale, l’ingordigia, che si manifesta nella voracità insaziabile di una società ipertrofica, che finirà inevitabilmente per divorare se stessa.
Michele Giangrande ha la capacità di evocare immagini che sono drammatiche e ironiche allo stesso tempo, riuscendo a restare delicatamente in bilico tra un’irresistibile levità di toni ed un’innata inclinazione critica. Questa ambiguità, che espone le sue opere ad un ampio spettro d’interpretazioni, talora persino discordanti, è il segno distintivo della sua ricerca, mai narrativa e didascalica, ma piuttosto velata e allusiva.
C’è, tuttavia, un duplice filo rosso che percorre l’opera di Giangrande. Il primo è quello che, formalmente, collega tra loro le varie tipologie di rivestimento, siano esse intese come gusci, guaine, corazze, esoscheletri o, più semplicemente, come epidermidi artificiali. Il secondo, tematico, introduce il motivo del viaggio. Molti degli oggetti di Giangrande, infatti, sono connessi con l’idea di movimento: carrozzine, tricicli, biciclette, caschi, macchinine. Altri, come gli strumenti musicali, accennano all’idea del viaggio immobile, dell’esplorazione immaginaria di universi intangibili. Infine le armi, che sono il lasciapassare per un viaggio senza ritorno. Insomma, nelle opere di Giangrande aleggia un sentimento nomade d’irrequietezza e d’instabilità, che assume talvolta i contorni surreali della visione. Come nella valigia dal fitto piumaggio bianco, che porta il titolo di E-migrazione, insieme atto di analisi sociale e delicato peana.

(dal catalogo della mostra Skin)

Epidermic.
Speech regarding the surface of things

by Ivan Quaroni

On the horizon of the young Italian sculpture runs a process of retrieval of manual dexterity, meant to not only as operative discipline, but also as an occasion of discovery and of verification of the expressive potentiality of commonly used materials.
In the latest researches into plastic, many artists have adopted manners of representation linked to figurative formulas, concentrating above all on tactile and visual qualities of the supports, and favouring, so to say, the game of patterns and textures.
Chris Gilmour, for example, replicates on real scale and to small details, objects such as cars, motorbikes, wheelchairs, and type writers, using easy to find  materials such as carton. Paolo Grassino from Turin, on the contrary, covers his apocalyptical sculptures with sheets of skimmed PVC, commonly used to make household items; meanwhile Gino Sabatini Odoardi from the Abruzzo region, through a process of thermoforming. covers his  compositions of objects with a cold icy and refined patina of polystyrene. There is also Maurizio Savini, who builds sculptures and installations using chewing gum.
In all the above mentioned cases, gives rise to a specific interest of the artists in the visual and signs effect of the handwork, that becomes a fundamental element in the semantic construction of the work of art. It is not then a consideration about the form as a structure able to refer to the function of the objects, the trait d'union of the latest sculpture researches, but the disclosure of new interpretative possibilities through unexpected semantic sliding.
Also Michele Giangrande's work develops in the track of this new plastic sensibility. Born in Bari in 1979, Michele Giangrande  has undertaken  a very personal  research into plastic, characterised by an original modus operandi (method of working) that involves daily and commonly used objects with a coating made of the most disparate materials, such as plasters and elastic bands, silicone, and synthetic grass and even real bird feathers. In this way toys, musical instruments, weapons, and other items chosen by Giangrande acquire a new epidermis, a kind of second skin that changes not only the appearance of the articles, but also their meaning. In fact, once the objects are covered by a neat grill of plasters or by a thick net of silicone dots, or still by an interlacement of rubber bands or by cuttings of fake grass, they acquire a new aesthetic identity, based on captivating patterns and textures, but also in a new sense, stemming from the correlation of relations between the original function of the object and its new skin, that can be interpretated in many different ways, ironic or dramatic. Michele Giangrande's objects are, different from Duchamp's ready made, deeply modified in substance besides its surface. The artist, in fact, does not limit himself to taking his works from daily reality, but he transforms them through a disciplined and patient manipulation, which on one side keeps the simulacrum of the objects, and on the other changes their look.
A typical example of the semantic short-circuit primed by the artist is represented by the works of the series Amici per la pelle (Bosom friends), and particularly by those which comprise the installation entitlled La Giostra (The Carousel). It is made of objects completely covered by a compact membrane made of plasters applied with meticulous precision to form a charming geometrical texture. The final effect is ambiguous and contradictory, because while the colour of the adesive tapes explicitely recalls the pigmentation of human skin, their severe Cartesian disposition prevents the completion of this mechanism of identification. Certainly, Giangrande prepares a subtle allusive game: he evokes the skin with plasters, which are already, originally, dermo-mimetic, but in truth his aeshetic action aims to superimpose two concepts, in other words two different functions: that of the object and that of the covering, to suggest new interpretative possibilities. In this case, the application of plasters on toys and objects linked to the world of children (the horse on wheels, the perambulator, the tricycle, the car, the bicycle) provokes an immediat sense of alarm, due perhaps to the implied feel of a wound inflicted on childhood's expense. And this is also a  first sign of Giangrande's tendency to have not only a ludic but also a critical relationship with reality, that invites the observers to interrogate themselves on the last sense of things.
While the covering of the objects of  Amici per la pelle (Bosom friends), can be intended as a second artificial skin, that of the works of the series Legami e Degni di nota (Bonds and Worthy of note), composed respectively of toys and musical instruments, can be interpretated as a protective body armour. These works, in fact, are obsessively recovered by small dots of silicone, that form a pattern of soft prickles. Here too Giangrande provokes a sliding of sense, taking away from the item its original function, but the purpose is mostly ironic and the effect less dramatic. The modus operandi (method of working) is still patiently and meticulously governed by a sense of horror vacui (vague horror). It is enough to think that besides objects with a relatively containd size such as a violin, a tricycle, or a grammaphone, the artist tested himself even with the arduous task of covering the surface of a real contrabass.
The works humorously entitled Evergreen have the same light and easy-going tone. These works are sheathed in a shell made of strips of synthetic grass, then installed over a carpet made of the same material which forms a sort of small artificial prairie. In this way the objects turn out confused with their surroundings, almost camouflaged. This is so ironical as paradoxal, considering that Giangrande's operation consists indeed  in weakining, through the covering, the likeness with the original object, and so to attenuate the camouflage mark. All his works, in fact, are anti-mimetic exactly because are not (anymore) uniquely ready made, or are rather objects simply taken from daily life and thus de-contextualised. On the contrary, in the installation Evergreen these are the same objects which comouflage with their new foundation, until to get confused with the substance with which their rind is made.
Wrapped by an entwined tangle of multi-coloured rubber bands are, on the contrary, the works of Elasticità di pensiero (Elasticity of thought), that range among common objects, such are small bottles of Coke, pad locks and binoculars, and as far as a real armour and a dagger, a pistol and a Whinchester rifle. It feels as though there is a reference to the wars that in the last decade have run across the planet with renewed fury, from Afghanistan to Iraq, from Palestine to Bangladesh, from Sudan to Somalia. Or  it refers to the daily violence that afflicts the metropolis all over the world. Or yet it refers to the slaughter in the American schools and campus, from the Columbine massacre to the carnage of The Virginia Tech University. On the contrary the inspiration behind these works by Giangrande is the memory of another war, that one less offensive that he used to do in his childhood, when he made rudimentary wooden pistols to shoot the rubber bands at his adversires. Now, Giangrande trusts himself to the compressive strength of the rubber bands to repress the symbolical destructive potentiality represented by the reproduction of the weapon in real scale. And, it seems that the appropriate use of this material is not enough to neutralise the danger.
One of the principal characteristics of Giangrande's work consists in his particular ease in connecting himself with space, in conceiving projects that cross the usual dimension of sculptures. This attitude was already in the site specific installation, entitled Un uovo mondo (An egg world), presented on the roof of the area reserved for the check-in of Bari airport, and composed of a big planisphere built with over eight thousands eggs. An organic work of art, therefore ephemeral in its nature, in which Giangrande levering on the phonetic ambiguity of the title, leads the spectator to reflect on the changed relationship between the individual and society developed consequently on the migratory flows and the new global economy. The egg, then, besides being one of the oldest symbol of life, is also a cross reference to  the world of birds, and therefore to migration. An analogous stratification of meanings is present in the new installation Le torri di Babele (The Towers of Babel), also made with organic material, through a scrupulous assemblage of thousands of wafers commonly used to make ice-creams cones. The two constructions, characterised by a helicoidal structure, on the famous model of the minaret of al-Malwiyya of the mosque of Samarra, or of the celebrated tower painted by Peter Brughel, re-proposes the biblical theme of punished pride. The hybris,as it was called by the ancient Greeks, is one of the most grave sins as it is the inconsiderate pretension of man to equalise divine work.
Duplicating the Tower of Babel, the artist primes the nth sliding sense. So, besides the Babel allegory, he superimposes the lattest tragedy of the Twin Towers, interpreted by Islamic extremism as an action of divine punishment for the economical, political and military pride of the American system. Giangrande's installation becomes, then, an ephemeral monument of human fragility, built with a corruptible material like food (the wafers). But it is sweet food, which refers to another deadly sin, greed, that shows itself in the instability voracity of a hypertrophic society, that will inevitably end in devouring itself.
Michele Giangrande is able to evoke images which are both dramatic and ironic at the same time, succeeding in staying a delicate balance between an irresistible levity of tones and an innate critical tendence. This ambiguity, which places his works of art over a wide range of interpretations at times even discordant, is the distictive mark of his never narrative and didactic, but rather veiled and allusive research.
There is, nevertheless, a double red thread which crosses Giangrande's work of art. The first one is that which formally connects various types of covering, either shells,or sheaths, or body armours, or exoskeletons, or, more simply, artificial epidermis. The second one, which is topical, introduces the theme of the journey. Many of Giangrande's objects, in fact, are connected with the idea of movement: preambulators, tricycles, bicycles, helmets, cars. Others, like musical instruments, hint at the idea of the immovable journey, of the imaginary exploration of intangible universes. Finally, the weapons which pass for a journey without return. In conlcusion, a nomadic feeling of restlessness and instability waft through Giangrande's works of art which assumes at times surreal outlines of the vision, like in the suitcase with a thick white plumage, entitled E-migrazione (E-migration), both social analysis and delicate paean.

(from the catalogue of the show Skin)