MICHELE GIANGRANDE

di Antonella Marino

[scroll down for english text]

Antonella Marino: La Statua della Libertà e Hitler, Freddy Mercury e Tony Manero, Alberto Sordi e Papa Giovanni Paolo II, San Michele Arcangelo e Arnold Schwarzenegger...Una teoria di icone giganti col braccio destro alzato, appartenenti a diversi periodi storici, si parava a coppie in esili profili-sagome disegnati a rilievo con un semplice metro da cantiere lungo il “corridoio” che conduce al palcoscenico del vecchio Teatro Margherita. Creando un repertorio di fantasmi scenici con cui ironicamente “misurarsi”, ipotetici personaggi di una commedia umana e sociale ancora da rappresentare…
Michele, tu sei l’unico  tra i 15 artisti della prima edizione del Premio Lum che in quel periodo viveva a Bari. Forse hai avuto modo di frequentare in più occasioni la mostra e magari carpire commenti o critiche del pubblico, che peraltro è accorso numerosissimo. Come ti sembra sia stata accolta la tua opera e in generale l’intera iniziativa?

Michele Giangrande: Certamente non si può dire che l’iniziativa sia passata inosservata al pubblico barese e non.
L’affluenza durante tutta la durata della stessa lo testimonia, ma soprattutto la grande, straordinaria e massiccia partecipazione all’inaugurazione complice la genuina “attesa” che si era sviluppata sin dalla presentazione del premio circa un anno prima.
Ovviamente la location ha fatto il resto. Non dimentichiamo che il Teatro Margherita, chiuso da circa trent’anni, era per i più soltanto quello la scenografia creata apposta molto ambiziosamente cercava di restituire.
Io stesso, trentenne barese, non avevo e potevo immaginare cosa nascondesse quel “sipario”.
Questo ha fatto si che al pubblico cosiddetto di settore si affiancasse un vastissimo e folto gruppo di curiosi, architetti, storici, appassionati ecc, ma soprattutto di baresi che finalmente, spinti dalla voglia, dal desiderio o più semplicemente dalla rarità dell’avvenimento, si sono recati verso quello che era stato e tornava finalmente ad essere un contenitore culturale d’alto livello.
Quindi una doppia ed efficace attesa.
Da una parte quella per il premio e dall’altra quella dell’apertura del teatro.
Certamente il cittadino barese non può dirsi completamente educato all’arte contemporanea, ma grazie a tantissime altre manifestazione che da qualche anno a questa parte regalano momenti culturali alla città, ricordo fra tutte il biennale Premio GAP, riesce perlomeno a non sentirsi completamente estraneo e lontano da un mondo che prima pareva “assurdo e incomprensibile”.
La mia opera nello specifico, trattando icone appartenenti al patrimonio collettivo e quindi avendo una forte componente figurativa oltre che meramente concettuale, è riuscita ad essere apprezzata anche dai non “intenditori” rivelandosi popolare nella forma quanto nei contenuti.

A.M.: Nel tuo lavoro utilizzi spesso banali oggetti domestici, trasfigurandoli con “preziose”  texture in silicone, di erba finta, cerotti, piume d’oca... Secondo me però le opere più riuscite sono quelle a dimensione ambientale. Come il planisfero “Un uovo mondo” con 8.000 e rotte (si fa per dire) uova di gallina, allestito sul lastrico del check in all’aeroporto di Bari in occasione del Premio Gap 2006 ( vinto ex aequo con Giuseppe Teofilo).  Oppure le Twins Towers versione torri di Babele, costruite con incastri di 22.650 cialde di gelato, che colpirono il pubblico durante la scorsa edizione della Biennale dei Giovani artisti dell’Europa e del Mediterraneo. E più di recente alcune installazioni secche, di grande impatto: un “Muro del pianto” composto da semplici cassette in legno, 15 metri di maleodoranti contenitori di cipolle, da cui tenersi alla larga per evitare lacrime. O ancora: una vecchia sedia a dondolo modificata nel movimento laterale; un articolato labirinto di casse di birra in plastica rossa; un variopinto girotondo di cravatte a terra; dei tappeti intrecciati con decori d’Oriente e d’Occidente, ottenuti con morbidi metri da sarta colorati…
Da cosa è offerto lo spunto per un nuovo progetto e che importanza ha il contesto in cui intervieni?

M.G.: Nella mia ricerca, di conseguenza nel mio lavoro, la componente “spazio”, quindi contesto, inteso non solo come dimensione, ma come luogo vivo, elemento dell'universo attraverso il quale ci muoviamo ed esistiamo, diviene componente fondamentale ed indispensabile per la cosiddetta ispirazione creativa.
Vivendo un “territorio” ne si assorbono le energie, ne si ricevono messaggi, ne si leggono i significati e le storie più profonde. Poi la sensibilità umana, quella dell’artista, se ne appropria, le legge, le metabolizza attraverso processi tanto affascinanti quanto incredibili di analisi e associazione per dar vita poi ad un’idea. L’idea in seguito si concretizza sotto forma di opera d’arte grazie alle competenze tecniche possedute o comunque rivolgendosi a tecnici del settore a seconda delle esigenze. Ovviamente la preparazione, la conoscenza e la cultura del singolo artista funge da malta per mettere insieme la parte sensibile della prima fase con la parte tecnica e razionale dello studio-ricerca della seconda.
Personalmente preferisco lavorare con le installazioni site-specific per le ragioni sopraindicate oltre che per lo stimolo e piacere decisamente maggiore che ne traggo. Infatti il primo progetto ideato ad hoc per il Premio Lum che presentai subito dopo il sopralluogo rientrava decisamente in questa mia peculiarità di approccio, cioè quella di creare situazioni che dialoghino con l’ambiente in cui e per cui vengono realizzate.
Il progetto consisteva nell’agire all’esterno del teatro, intervenendo su quella porzione che da quando sono nato caratterizzava il teatro sulla facciata che da sul mare: l’impalcatura del cantiere.
L’intervento prevedeva l’utilizzo dei teloni classici da cantiere che servono per proteggere dalla caduta di detriti. Utilizzando la struttura a “scacchiera” dell’impalcatura come modulo di base, dovevo riportare in misure decisamente notevoli, circa 80x30 metri l’intero intervento, il prefisso telefonico di Bari, lo 080.
Un linguaggio quello numerico, universale, che definisce una determinata zona geografica, come simbolo di comunicazione.
L’installazione che doveva guardare al mare, da sempre luogo di partenza ed arrivo, avrebbe comunicato a livello sociale con e per il luogo, avrebbe messo in comunicazione il teatro con la città e l’infinito e allo stesso tempo avrebbe identificato il luogo stesso del teatro, luogo di scambio e comunicazione culturale.
Purtroppo o per fortuna, a seconda dei punti di vista, l’impalcatura doveva essere rimossa proprio in occasione della riapertura del teatro e quindi il progetto non è stato compiuto lasciando spazio all’alternativa “interna” dell’installazione Braccio destro series la quale ben dialogava con il contesto teatro, ma meno con l’esterno come era mia intenzione e desiderio.

A.M.: Il repertorio di trovate e il campionario di possibilità formali che tiri fuori dal suo versatile cilindro creativo è vastissimo e di grande effetto. Nessuno spunto tematico, nessuna traccia, nessuna suggestione teorica o visiva si sottrae alla vivace bulimia del tuo sguardo e al tuo talento fabrile: che trasformando la realtà in altro, ci costringe a guardarla da punti di vista inediti, mettendo in moto scarti di pensiero, associazioni improbabili, riflessioni ironiche ma al tempo stesso critiche. Quale valore ha per te l’ironia, un’ elemento che sembra appartenere  un po’ al DNA artistico pugliese, a partire dal mitico Pino Pascali?

M.G.: Certo è innegabile il legame con Pino Pascali, che peraltro amo nella maggior parte delle sue operazioni, ma l’ironia che ne deriva potrebbe essere interpretata più che come elemento del DNA artistico pugliese, come risposta o reazione spontanea  ad un sistema desertico e fallace che non offre molto a tutti coloro che navigano nella “valle di lacrime” della realtà pugliese che spesso non riesce a crescere per mancata sinergia tra i pochi protagonisti che seriamente cercano di tirar su progetti ed eventi di rilievo e respiro internazionale.
Quindi l’ironia nel mio lavoro, se di ironia si può parlare, ha lo stesso valore che potrebbe avere un saluto del salumiere un sabato pomeriggio o un’auto che distrattamente sfreccia su una pozza d’acqua e ti innaffia letteralmente il bel vestito nuovo.
Tutto è stimolo, basta solo che io lo viva.

A.M: La partecipazione al Premio Lum corona un curriculum molto promettente, segnato da partecipazioni nazionali e qualche incursione internazionale, con il sostegno di gallerie private (come Paolo Erbetta a Foggia) e istituzioni (recentissima è la tua personale al Museo Pino Pascali di Polignano). Tuttavia l’inserimento nei circuiti dell’arte “che contano” non è facile,  soprattutto per chi come te fino a poco tempo fa ha scelto di rimanere al Sud. Cosa ne pensi dei meccanismi spesso ipercinici del sistema artistico e quali chances ritieni possa avere un giovane artista che opera lontano dai centri di elaborazione del potere culturale ed economico?

M.G.: La mia generazione e le future godono di possibilità che fino a non troppo tempo fa erano solo utopia.
Il sud è cresciuto parecchio a livello di collegamenti, basti pensare alla varietà di proposte in termini di voli che i nostri aeroporti offrono.
Per non parlare poi della “rete” che permette di essere costantemente informato e “presente” grazie alla comunicazione istantanea legata ad un clik.
L’alta qualità di vita al sud ha spinto molti di noi a restarvi, definitivamente o almeno per i primi anni di attività e affermazione, proprio a causa delle possibilità di poter vivere comunque i cosiddetti punti nevralgici del “sistema dell’arte” con discreta facilità almeno in Italia ed Europa senza deficit in termini di “possibilità” e “riuscita”.
Certo è che ad un certo punto si può sentire l’esigenza di spostarsi, perché magari non si riesce più ad “essere presenti” abbastanza o più semplicemente  per voglia di cambiare, sete di novità e per poter cogliere personalmente tutta una serie di dinamiche che altrimenti resterebbero sconosciute.
Per conto ho apportato il tanto consigliato cambiamento, felicemente, causa l’inizio di una nuova collaborazione con la galleria Berardi and Sagharchi Projects di Londra.
Vivere a Bergamo, per il momento, mi permette di raggiungere facilmente ed in brevissimo tempo, tra le tante possibilità, centri come Milano, Berlino e appunto Londra riuscendo così a puntare ad un circuito internazionale, per me obiettivo primario in questo momento, per poi pensare ad un ulteriore trasferimento, questa volta all’estero.

(dal catalogo del Premio LUM)

MICHELE GIANGRANDE

Antonella Marino: The Statue of Liberty and Hitler, Freddy Mercury and Tony Manero, Alberto Sordi and Pope John Paul II, the Archangel Michael and Arnold Schwarzenegger… They are all different personalities from different periods of history, a parade of giant icons raising up their right arm. They got paired off and set out down the aisle leading to the stage of the old Margherita Theatre. They all look like scenic ghosts you have to face ironically, they are characters of a play that has not been performed yet…
Michele, among the fifteen artists taking part in the first edition of the Lum Award competition, you were the only one living in Bari. You got the chance to attend the exhibition, you probably caught comments and heard of criticism from a large audience. What do you think they reckoned about your work and the whole project?

Michele Giangrande: Surely all of this did not go unnoticed by local people and a largest audience. The high attendance all along the exhibition proved that. Ever since the opening, lots of people flocked to it, and the one-year-long wait since the presentation worked as a warm-up. Of course the place was a decisive factor.
Actually the Margherita Theatre had been closed for nearly thirty years. For most of people it was just what an outside rich scenery could offer. Even I, a thirty-year-old man, I had no idea of what was hiding beyond that curtain. A crowd of curious people, architects, historians and all concerned, but most of all people from Bari joined an élite public. They gathered at what was, and now is back to be, a receptacle for culture on a high level. They all let themselves be tempted by this rare event. Both the Award ceremony and theatre reopening were eagerly awaited. Most of people in Bari have not been trained in contemporary art. Lately they got closer to it though. Now they are getting to understand what they found odd and vague before, thanks to a lot of cultural events in Bari in the past few years. The Biennial GAP Award is one of them. My work has been highly appreciated even by non-connoisseurs because it deals with ordinary icons, it has figurative elements as well as conceptual elements, both its style and its contents turned out to be very popular.

A.M.: You often use domestic tools in your works, you turn them into something else with the aid of silicone textures, fake grass, plasters, feathers… However, I think your most successful works are the ones on the subject of environment : “Un uovo mondo” (literally “ an egg world”) for instance. It’s a world map made of over 8.000 chicken eggs. They were all set shaping the continents, just along the check-in area at the Bari airport on the occasion of GAP Award 2006 (where you won first prize ex aequo with Giuseppe Teofilo). Moreover, the Twin Towers made of 22.650 crisp cones looking like two Towers of Babel. This work really impressed the audience during the latest Biennial Award for Young Artists from Europe and Mediterranean countries. So did a “Wailing Wall” made of hundreds wooden boxes. A fifteen metres long wall made of smelly boxes of onions you’d better keep away from if you don’t want to end up crying.
A few more: an old rocking chair got modified so that it swings from side to side rather than moving backwards and forwards; a complicated maze of red plastic boxes that usually contain bottles of beer; a colourful ring of ties laid down on the floor; carpets that were woven from colourful measuring tapes, with oriental and western decorations.
What provides you a starting point for a new project? And how important is the context you have to work in?

M.G.: In my search, and consequently in my work, “space” becomes a basic and essential element, a rich source of inspiration for an artist. It’s not just a dimension, but also a living place where we move and act. We take in and keep the energy that this living-space provides us, we get messages, find out about new deeper stories and their several layers of meaning.
The artist is a very sensitive person, he reads between the lines of these stories, he assimilates them by charming and incredible processes, he analyzes them and gives birth to an idea. After that, the idea gets carried out and becomes a work of art, thanks to the practical skills he achieved and thanks to the technicians he can always rely on. Obviously each artist’s qualification, knowledge and culture combine the first phase about sensitivity with the second one about technique and rationale beyond his search. As for me, I’d rather work at site-specific installations because they provide me with ideas and I take a greater pleasure in them.
My first project was specially planned for the Lum Award and was presented after a survey. This project was part of my peculiar approach to art that means to create a connection between situations and surroundings. Mainly it would have consisted in working outside the theatre, particularly at that part of it that was so typical of its front overlooking the sea: the scaffolding in the building yard. I may have used tarpaulins, the ones usually being used to protect against rubble falling down in a building yard. I wanted to shape the dialling code for Bari 080 in a huge size (about 80 metres by 30 metres) on a check structure made of scaffolding. In this case the numerical and universal language would have defined a certain geographical area as if it was a sign of communication. The installation should had been overlooking the sea, which has always been an emblematic place of arrivals and departures, providing a link between theatre, city and the infinities of space. At the same time the theatre would have become increasingly identified with a place where you can trade culture. Unfortunately (or luckily) I could not bring my project to an end since the scaffolding had been removed when the theatre was reopened. So I opted for an “inside” alternative, the “ Right arm up series”, that is closely connected with the theatrical context but not with the outside as I wanted it to be.

A.M.: The wide repertoire of brainwaves an possibilities you pick out of your magic hat causes great interest. No theme, no trace, not theoretical or visual impact escape from your voracious sight and your practical talent. You try and change reality into something else, you make us look at things from many different angles and you move various thoughts, odd associations of ideas, ironic considerations as well as criticism. Irony seems to belong to the Apulian artistic DNA, including Pino Pascali, a great artist. How important is it to you?

M.G.: I can’t deny I often relate to Pino Pascali, I love all of his works. My irony can be interpreted as my instinctive reaction to a vain and deceptive system that hasn’t got much to offer to all of those people who live in Apulia, in an artistic reality where the few personalities able to create wide-ranging works at international level do not often cooperate with each other. My irony can easily be compared with the amusing or odd aspect of a situation that is quite different from what you expect, like a delicatessen seller saying “hi” on a Saturday afternoon, or someone racing his car through a puddle and accidentally splashing your new dress. There are ideas hiding everywhere, you only have to seek them out.

A.M.: Taking part in the Lum Award competition just crowns your excellent curriculum vitae with frequent participation in national events and a few forays abroad. You were always supported by private art galleries (such as Paolo Erbetta in Foggia) or institutions like the Pino Pascali Museum in Polignano (your solo show here is very recent). It’s not easy to be completely accepted by the most important artistic circles, the ones that matter, mainly for people who choose to live in the South of Italy, like you did until some time ago. What do you think about cynical mechanisms in the artistic environment? Has a young artist, who works far from financial and art centres, any chance to get closer to them?

M.G.: My generation and the future ones enjoy possibilities that were just Utopia a few years ago. The South has lately developed, there are good connections between Apulia and some major cities in Italy and Europe. Plus, you can get information straight away from the internet. The high quality of life in the South now allow people a better working life, whether they choose to stay there for good or at least for the first few years of work. They can as well keep in touch with the so-called nerve centres of art and take their chance to succeed. Of course there might be times when you feel the need to move somewhere else because you want to be present enough or just because it’s time for a change and you long for new experiences, you need to see new places and want to follow closely dynamics that were unknown before. As for me, I made this change and I’m happy with it because it marked the beginning of a new collaboration with the Berardi and Sagharchi Projects in London. I live in Bergamo for the time being, so I can easily get to major cities like Milan, Berlin and London in a very short time, and aim at an international circle of art, which is the first target I hope to achieve right now. Later on I will probably move abroad.

(From the Lum Award Catalogue)