“UNA NUOVA OGGETTUALITÀ”

Bavardage con Michele Giangrande

di Angelo Delli Santi

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Angelo Delli Santi: Il tuo modus operandi, o meglio, la tua prassi d’intervento sugli oggetti quotidiani di uso comune (rivestimenti siliconati, impacchettamenti, incerottamenti, ri-utilizzo), intesa quale operazione neo-pop di camuffamento e/o ricollocazione ambientale, conferisce agli oggetti stessi una nuova identità referenziale e un nuovo aspetto ma anche un significato nuovo, caricato delle valenze estetiche, allusive e parodistiche insite nel gioco contaminatorio del travestimento oggettuale.
È chiaro che tale sostanza materiale, così manipolata, sganciata da ogni riferimento o collegamento al sistema percettivo del mondo fenomenico reale e parimenti distante da una mera rappresentazione realistica e/o mimetica del dato oggettivo, diventi per te il pretesto per costruire un canale interpretativo alternativo rispetto al protocollo conoscitivo comune e forse più in grado, al di là del gioco di varianti neo(post)-pop, di sondare la vera natura delle cose. Qual è, allora, l’intenzionalità segnica e poetica di questa “nuova oggettualità”?

Michele Giangrande: I “miei” oggetti sono l’esito di un incontro-scontro tra più fattori: una copertura di cerotti, ad esempio, incontra un giocattolo e genera immediatamente un nuovo personaggio che si avvale della “storia”, dei “contenuti”, della “simbologia”, dei “rimandi” che le sue singole componenti offrono.
Il medesimo risultato, molto più amplificato, si verifica nelle installazioni cosiddette site-specific, altro elemento caratterizzante della mia ricerca accanto agli “oggetti improbabili”: in questi lavori l’enorme presenza e moltitudine di uno stesso oggetto, ripetuto e clonato infinite volte, genera un’immagine altra (uova-planisfero, cassette di legno per la frutta-muro del pianto, coni gelato-torri di babele, casse della birra-labirinto). In questi casi la stratificazione concettuale è immediata e consequenziale. Ragion per cui spesso più chiavi di lettura entrano in gioco nelle mie operazioni e/o assemblaggi e nuove ed improbabili realtà nascono dall’incontro di più realtà, di più vissuti, di più emozioni. Tutto questo si è rafforzato nella fase più recente della mia ricerca, soprattutto nei lavori che vado a presentare al museo Pino Pascali: non più lavori sulla superficie degli oggetti ma interventi secchi, puliti, minimi, attraverso “fusioni-assemblaggi-manipolazioni” degli oggetti stessi.
Vado, così, a creare – ad esempio – messaggi utilizzando candele a forma di lettere che vanno a comporre la scritta “TEMPORARY ART”, ragionando sugli accostamenti analogici (oltre che visivi) tra un materiale “precario” e caduco come la cera e il concetto, transitorio, di un’arte temporanea, legata per sua natura al momento presente; o, ancora, dipingo a mano, su di una matrioska originale, l’effige seriale di Berlusconi e utilizzo uno zerbino recante la scritta WELCOME – tingendolo dei colori della nostra bandiera per sfidare ambiziosamente coloro che avranno il coraggio di calpestarlo – quale oggetto-simbolo di una nazione “aperta a tutto e a tutti”, ma non sempre all’altezza di sostenere e sostenersi …
Ogni opera è portatrice sana di un messaggio e/o significato che viene via via arricchito dal vissuto dello spettatore stesso che la guarda.

A.D.: Allora si potrebbe dire che non segui una poetica definita, ma che il tuo è un gioco estetico-manipolatorio che produce delle “opere aperte”…

M.G.: È vero che non seguo una poetica definita, ma ogni operazione è un pretesto per dire la mia su ciò che mi circonda, per criticare, comprendere, pensare, esprimere il mio punto di vista in modo secco, elegante, raffinato, originale, prezioso e ricercato.
Così come mi presento nell’abbigliamento o appaio nella vita di tutti i giorni, credo di esprimere anche nell’arte una sorta di neodandismo.

A.D.: Diciamo che il tuo vestiario, o meglio, le tue mise, sono latrici di un codice visuale ad alto valore fetish e glam ma anche di un linguaggio scelto, ricercato e contaminato, al pari delle tue operazioni manipolatorie sugli oggetti: quindi più che di neodandismo sarebbe più proprio parlare di pop-dandismo, inteso come aspirazione ludica – in un contesto culturale di massa – a farsi cifra estetica (e conoscitiva) della quotidianità…

M.G.: In un certo senso anche i miei vestiti sono un pretesto per entrare in contatto con la realtà che mi circonda, per poterla comprendere e comunicare, gettando un ironico sguardo estetizzante ...

A.D.: Osservando le tue installazioni si riflette sul fatto che non sono dei semplici ready-made o il frutto di ricollocazioni mimetiche nelle quali resta la traccia o il ricordo morfologico degli oggetti originari.
Opere, ad esempio, come il martello con la scritta INRI, le bacchette cinesi con molletta, lo zerbino-bandiera, il girotondo di cravatte o il nido realizzato con capelli d’artista – solo per citarne alcune tra quelle esposte – sono, certamente, il risultato dell’assemblaggio di oggetti d’uso riconsiderati ma anche la materica testimonianza di un cortocircuito interpretativo. Vuoi parlarcene?

M.G.: Gli oggetti ci accompagnano sin dai primi istanti della nostra vita, ci riportano ricordi, sensazioni ed emozioni lontane, rievocano concetti, diventano simboli: siamo abituati a vederli, toccarli, utilizzarli e dimenticarli. Nascono, vivono e muoiono come noi… con noi.
Ma cosa succede se, poi, li mescoliamo, raggruppiamo, fondiamo, assembliamo o modifichiamo?
La scelta degli oggetti avviene attraverso un’attenta analisi della loro funzione originaria ma anche sulla base di tutto ciò che essi possono evocare, sia da soli, sia “combinati” tra di loro. Vengono, quindi, sfruttate tutte le loro potenzialità e considerate tutte le innumerevoli combinazioni, tenendo presente l’obiettivo finale che è il messaggio/opera.
Nel mio lavoro 1+1 è uguale a 3, dove 1, ad esempio, è il martello e l'altra unità è la piastrina recante la scritta INRI: l'unione delle due unità dà, così, origine al 3, ovvero l’opera d’arte, un terzo e nuovo oggetto. In tal modo un “girotondo” di oggetti-cravatte vintage diventa un mandala per la pace, mentre comuni pennelli per muratori, da cui spuntano veri e sensuali capelli lunghi, rimandano alle eleganti pennellesse cinesi utilizzate per la scrittura ...
Poi per lo spettatore tutto può diventare 4, 5, 6, 7, a seconda delle emozioni e del vissuto personale di ognuno e delle conseguenti attribuzioni che ognuno assegna ad ogni oggetto. In parole povere, un martello (insieme a quello che evoca), è la somma di tanti martelli, quanti sono coloro che lo guardano. Lo stesso accade per tutti gli altri elementi e, pertanto, il risultato concettuale – e interpretativo – è pressoché, pirandellianamente, infinito.

A.D.: Tra le opere in mostra vi è sicuramente una che possiamo considerare fortemente rappresentativa all’interno del tuo percorso: si tratta del lavoro installativo intitolato Uomo vitruviano, un’opera pura ed essenziale, che lega insieme scrittura e disegno, numero e misura, la citazione ironica dell’uomo di Leonardo e l’allusione intenzionale del
personaggio della pubblicità delle pentole a pressione Lagostina. Una riuscita fusione, insomma, di cultura di registro alto e cultura popolare...

M.G.: Quest’opera si ispira direttamente al celebre personaggio protagonista di un cartone animato ideato da Osvaldo Cavandoli, chiamato appunto La Linea. Il cartone animato, per chi non lo ricordasse, è costituito da un uomo che percorre una linea virtualmente infinita, di cui è anch’esso parte integrante. Il personaggio incontra nel suo cammino numerosi ostacoli e spesso si rivolge al disegnatore – in un grammelot lombardo-brianzolo – affinché esso realizzi, disegnandola, la soluzione ai suoi vari problemi. Nel mio lavoro “la linea” è costituita da un metro flessibile che si srotola e si modella attorno ad una serie di chiodi che, a loro volta, tracciano sul muro il disegno di ciò che voglio rappresentare.
Vado, quindi, a “misurare e misurarmi” con i profili, le sagome, le silhouette, immediatamente riconoscibili, di icone del nostro tempo e/o appartenenti alla storia e facenti, così, parte del nostro patrimonio collettivo d’immagini. Per l’attuale allestimento ho scelto di rappresentare il celeberrimo “Uomo Vitruviano” di Leonardo Da Vinci, emblema della proporzione e della misura, dell’armonia, dell’ordine e della razionalità. Si tratta di uno dei disegni più popolari al mondo, lo si trova stampato sui poster, magari rivisitato in chiave pop, e inciso sulle monete da 1 euro: una vera e propria icona che ha resistito con noncuranza agli oltre 500 anni di vita.
Il mio lavoro, come il disegno di Leonardo, vuole rappresentare la centralità dell’uomo che è considerato, al contempo, artefice del proprio destino e misura di tutte le cose. Leonardo lo realizzò nel 1490, stimolato da un passo del terzo libro del De Architectura di Vitruvio riguardante le proporzioni umane. L’uomo dell’opera di Leonardo, realizzato secondo le indicazioni vitruviane, si “incastra”, infatti, perfettamente in un cerchio che tocca tangenzialmente la punta delle mani e dei piedi. Seconda figura geometrica chiave nel disegno di Leonardo è, poi, il quadrato, il cui centro si trova sul pube dell'uomo e sul diametro del cerchio. Ed è proprio dal pube, dove collocherò i metri flessibili, che partirà la linea da cui si genererà la figura, l’immagine. In questo lavoro è evidentissimo il desiderio di ridurre al minimo l’azione, l’operazione dell’artista, lasciando spazio alla purezza dell’immagine e all’essenzialità del gesto che conserva la potenza espressiva propria dell’arte: un gesto minimo, pittorico, utilizzando solo un metro flessibile come se fosse un’unica pennellata, che ci riporta alla più pura figurazione manierista.

A.D.: A parte l’adozione di un parterre visivo, la creazione di un répertoire des drôleries e la definizione di un codice linguistico-espressivo che risentono della fascinazione, allusiva e consapevole, di azioni, sensibilità, momenti artistico-culturali, trasversali e diversi, da dove trae le sue fonti (materiali) di ispirazione la tua ricerca?

M.G.: La mia ricerca materiale attinge, propriamente, da un vasto universo oggettuale, un mondo di mercatini, ipermercati, botteghe, scantinati e depositi mescolato ai miei ricordi d’infanzia, di un tempo in cui mi costruivo da solo i giocattoli per averne sempre di nuovi…

(dal catalogo della mostra Michele Giangrande)

Interview
Angelo Dellisanti vs Michele Giangrande

A.D.: Your modus operandi, or better, your way of modifying objects of everyday use (through silicone covering, packing, plastering, re-using), intended as a new-pop act of disguising and/or replacing, gives the objects themselves a new identity and a new aspect, but also a new meaning, enriched with the aesthetic, allusive and parodic values, implied in the play of contaminations, that characterizes the practice of object disguising. It is evident that such a manipulated matter, completely free from any reference or link to the conventional way of perceiving the phenomenal reality as well as distant from a mere realistic and/or mimetic representation of facts, becomes for you the occasion to create an alternative system of interpretation, really different from the common one and, beyond the play of new(post)-pop versions, maybe more capable of investigating the true nature of things. What is, then, the linguistic and poetic purpose of such a “new object system”?

M.G.: “My” objects result from an encounter-clash of different factors: a plaster covering, for instance, meets a toy and soon generates a new character, that exploits the “history”, “contents”, “symbols”, “references”, provided by each of its parts. The same result, though increased, is achieved by the so called site specific installations, which characterize my research together with the “improbable objects”: in such works, the hugesized and repeated presence of the same object, endlessly cloned, generates a brand-new image (eggs-planisphere, wooden fruit boxeswailing wall, ice cream cones-towers of Babel, beer cases-labyrinth). In these cases, the conceptual stratification is immediate and consequential.
Therefore, my creations and/or assemblages are often liable to different interpretations and the encounter of different realities, experiences, emotions generates improbable realities.
All this has further increased in my latest research, mostly in the works I’m going to show at Pino Pascali Museum: such works no longer focus on the object surfaces, but feature minimal, simple, sharp interventions, through “fusions-assemblages-manipulations” of the objects themselves. For instance, I use letter-shaped candles to form the sentence “TEMPORARY ART”, which conveys a message through the analogical (as well as visual) combination of a “precarious” and frail material like wax and the transient concept of a temporary art, naturally linked to the present moment; moreover, I paint the serial image of Berlusconi on a real matryoshka doll and use a doormat with the word WELCOME written on it – painting it with the colors of our flag, to ambitiously defy those, who’ll have the courage to tread on it – as the object-symbol of a nation “open to everything and everyone”, but often unable to support both itself and the others. A “ring” of vintage ties becomes a mandala for peace. Then, from common bricklayer’s brushes real and sensual long hair springs, which evokes the elegant Chinese flat brushes, used for writing, while a nest, made of my own hair, waits for the birth of new creative thoughts.
The classic spray art writing “DIO C’È” (God exists) appears like a lighthouse in the night, reproduced through a soft blue neon light, similar to that used in churches.
On the wall, the shape of Leonardo’s Vitruvian man, a symbol of divine perfection and human proportions, is created by unrolling and shaping some tape rules around nails, while I create a Persian carpet by interweaving 600 tape measures….
Every work is a healthy carrier of a message and/or meaning, which is enriched, from time to time, with the experiences of those looking at it. I’m not inspired by a specific poetics. Every project is an occasion to tell my opinion on what happens around me, in order to criticize, understand, think, express my point of view in a sharp, elegant, refined, original and precious way. I think to express a kind of newdandyism through my art as well as through my way of dressing and leaving.

A.D.: A look at your installations reveals that they are not simple readymade works or just products of mimetic replacing – which morphologically remind the original objects – but rather represent the occasion for a critical rethinking of reality.
Such works as the hammer with the inscription INRI, the Chinese sticks with a pin, the flag-doormat, the ring of ties or the nest, made of the artist’s hair – just to mention some of the works on show – surely result from the assemblage of modified objects of everyday use, but they are also the concrete expression of a distress. Would you talk about that?

M.G.: Objects are with us since the beginning of our life; they remind us of distant memories, sensations, emotions, evoke ideas, become symbols: we are accustomed to see, touch, use and forget them. They were born and die as we do…together with us.
But what happens if we combine, gather, blend, assemble or modify them? My research is actually inspired by the universe of objects, a world of small markets, hypermarkets, shops, basements and storehouses, which blends with memories of my childhood, when I used to create toys by myself, in order to have always new ones of them…
I choose objects after deeply analyzing not only their original function, but also what they can evoke both separately and when “combined” together.
Therefore, I exploit their whole potential and take into account all possible numberless combinations, while always bearing the final goal in my mind: the work/message.
In my work 1+1 makes 3, where, for example, 1 is the hammer and the other 1 is the plate with the INRI inscription: therefore, the combination of the two units makes 3, i.e. the work of art, a third and new object.
Then, for the viewer, the whole combination can become 4, 5, 6, 7, according to everyone’s emotions and backgrounds and to the value that everyone attributes to every single object. In plain words, a hammer (and what it evokes) is the sum of as many hammers as those who look at it. The same happens for every other element and, therefore, the conceptual result is almost infinite.

A.D.: Choose your most representative work, among those on show, and tell us which role it plays within the exhibition path.

M.G.: I think that the series of works, made of tape rules, can be considered – more than any other else – as the most representative of my latest linguistic research.
This cycle is inspired by “La Linea” (The Line), a famous cartoon protagonist, conceived by Osvaldo Cavandoli. For those who don’t remember it, the cartoon features a man, walking along a virtually endless line, of which he is an integral part. The character runs up against a lot of obstacles on his way and often asks the drawer – using a Brianza-Lombard grammelot – to find out and draw the solution to his several problems. In 1969 Cavandoli submitted this character to the advertising agencies that produced short films for RAI Carosello and soon he met with the favor of the engineer Emilio Lagostina, an art collector and owner of the homonymous pressure cooker industry, who wanted that character to be the protagonist of his corporate advertising. In my work, “the line” is made up of a tape rule, which is unrolled and shaped around a series of nails, that, in their turn, outline on the wall what I want to represent. As a consequence, I “measure and measure myself” with the easily recognizable profiles, shapes and silhouettes of some icons of our time and/or of the past history, who therefore belongs to our common heritage of images (for instance, one of the series I’m going to present at the next LUM Prize for contemporary art will feature characters with their right arm up… each one for different reasons).
For the forthcoming exhibition at Pascali museum, I chose to represent the world-famous “Vitruvian Man” by Leonardo Da Vinci, a symbol of proportion, measure, harmony, order and rationality. It is one of the most famous drawings in the world, often printed on posters, maybe in pop versions, and carved on 1 euro coins: it is still a true icon after more than 500 years.
Just like Leonardo’s drawing, my work aims to represent the centrality of man, who is considered as both the maker of his own destiny and the measure of all things. Leonardo created his drawing in 1490, after reading a passage on human proportions, contained in the third book of Vitruvius’ De Architectura. Indeed, the man in Leonardo’s work, who has been drawn according to Vitruvius’ indications, perfectly fits a circle, that touches the tops of hands and feet. A second geometric key-figure in Leonardo's drawing is the square, whose centre is placed on man’s pubis and on the circle diameter. It’s just from the pubis, where I’m going to place the tape rules, that a line will depart, which will give life to the shape, to the image.
Such work clearly shows a wish to limit the artist’s action as much as possible, in order to emphasize the purity of images and the essential gesture, which keeps the expressive power of art: a slight, pictorial touch, using just a tape rule, as if it was a single brushstroke, which brings us back to the purest mannerist figuration.

(from the catalogue of the show Michele Giangrande)