Caelum denique!

di Alexander Larrarte
Storico e critico d'arte contemporanea

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Quando fuori tutto si trasforma in macerie, quando la moralità e l’umanità crollano nell’angoscia e nella miseria, in un tempo incerto, non garantito da nessun valore permanente, si crea un argine di paura e terrore. La nostra realtà precaria mette in pericolo l’economia, la finanza, l’ambiente, la natura, mette in pericolo l’uomo.
Nel pericolo, in una condizione di smarrimento collettivo, gli artisti prendono coscienza che il loro lavoro non è un solo lavoro di estetizzazione di un messaggio ma anche uno strumento per comunicare una visione del mondo sulla realtà del presente.
Michele Giangrande mira a scardinare la rappresentazione congelata del mondo, mette in scena un’entità in divenire, in un divenire libero.
Lo fa con un progetto esperienziale itinerante, dove l’arte dimostra, con caparbietà intellettiva, la volontà di dissezionare il pensiero, privandosi di un sistematico supporto delle categorie, senza sezionatura moderna delle arti ormai lontana nel tempo, ed oggi, perduta del tutto.
L’artista si arma dei diversi medium e soluzioni del fare e, mettendo insieme una vera a propria task-force, realizza un’operazione ambiziosa e complessa dove ogni opera è senza titolo in omaggio alle vittime di tutte le guerre di cui non si è mai accertata l’identità.
Il secondo atto, questo, di un progetto concepito per contaminare luoghi diversi tra loro, come l’acqua che si adatta a tutti gli spazi, da luoghi storici a istituzioni museali, senza perdere, ma rinnovando il forte impatto emotivo, una drammaturgia che si evolve in un continuo dialogo con lo spazio architettonico.
La narrazione del progetto BUNKER parte il 25 Aprile 2018, una data non casuale, da Corato, nei camminamenti sotterranei di sentore medievale con rinforzi in cemento armato, per poi approdare a Monopoli in veri rifugi antiaerei, oggi Bunker Museum.
I rifugi antiaerei della Città di Monopoli, realizzati fra il 1942 e il 1943 sotto la piazza Vittorio Emanuele II, scavati nel blocco tufaceo con piano di calpestio alla profondità di otto metri, con una sezione di due metri di larghezza per tre di altezza, formano uno schema di diagonali incrociate di circa 400 metri. Le gallerie con sedili in pietra ricavati nella roccia, sono attrezzate di rudimentali servizi igienici e pozzi di areazione, potevano ospitare fino a 4.200 persone.
In questo scenario l’artista non è solo produttore delle opere, dove ogni opera è una tappa di un’esperienza unica e totale, ma anche catalizzatore di una scena in cui il pubblico è invitato ad essere co-protagonista.
In questi ambienti, dove sono presenti i segni dell’uomo immerso nel suo dramma, l’artista muove l’azione della sua ricerca, assorbe le energie di un claustrofobico luogo di salvezza per la stesura di una narrazione, la presenza si fa rappresentazione. Non c’è più tempo, bisogna correre al riparo, un rifugio che sia un margine di sicurezza morale e mentale. Ad indicare il luogo di salvezza una comunicazione che ricorda la propaganda di Regime, la scelta grafica è tipica degli anni ’40.
Sono nove le opere/tappe da percorrere, come i gironi dell’inferno dantesco, da osservare, ma soprattutto vivere in piena libertà di lettura. Tutto l’impianto del progetto, comprese le singole opere, osserva un aspetto palindromo, un dualismo che caratterizza, ma non determina un percorso: la prima opera/tappa potrà essere l’ultima e viceversa.
Al suono straziante di una sirena d’allarme, si apre la botola meccanica d’ingresso al rifugio. Il percorso è studiato e concepito prevedendo due opere, una di apertura e una di chiusura, due veri e propri sigilli che accolgono e congedano lo spettatore.
Ogni passo viene mosso in un ambiente stereofonico caratterizzato dalle musiche appositamente composte da Stefano Ottomano, utilizzate anche come colonna sonora del video documentario girato dal regista Alessandro Piva in occasione della prima edizione del progetto tenutasi a Corato. La composizione accompagna il visitatore in questa discesa negli inferi come un moderno Virgilio e l’allestimento, curato dalla scenografa e costumista Angela Varvara, favorisce e amplifica il ribollire delle emozioni.
Sin dai primi passi lo spettatore è colpito da un senso di angoscia quando dalla rampa di scale si contrappone l’avviso rassicurante: “SIATE CALMI! / QUI SIETE GIA’ AL SICURO”. L’iscrizione è incisa su una lastra in pietra (riproduzione della targa murale rinvenuta nel rifugio di Monte Soratte, a Sant’Oreste in provincia di Roma) che l’artista dona alla città di Monopoli come opera permanente e monito a memoria. È la prima tappa e la prima delle scritte, come quelle che apparivano nei rifugi antiaerei durante la seconda guerra mondiale, di un’opera diffusa, disseminata nello spazio. Dal forte valore concettuale, palesa il rovello interiore della società contemporanea bisognosa di indicazioni d’uso.
“ORDINE E CALMA”, “TACI! IL NEMICO TI ASCOLTA”, “ATTENZIONE! LA CALMA È GARANZIA DI SALVEZZA” e “SILENZIO! QUI L’ARIA È PREZIOSA”, i messaggi necessari per la sopravvivenza ma anche il tentativo di rovesciare il modo di vivere l’arte: “Chi ha definito il silenzio come accezione reverenziale per osservare l’arte?”
L’osservatore viene invitato alla libertà di vivere l’arte con reazioni proprie.
Il fumo muove lo spazio e l’intenso odore d’incenso ci stordisce, come in un ricordo che annulla la distanza nel tempo.
Una foresta di puntelli da cantiere sostiene la volta del rifugio, si insinuano nel nostro cammino, i pezzi di legno di solito utilizzati alla base e alla sommità, tra il ferro e la parete, vengono sostituiti con dei libri. Si ricostruisce, c’è speranza di salvezza, bisogna ricostruire un paese con forti e stabili basi culturali per creare una futura memoria.
L’artista affida la ricostruzione e la realizzazione dell’opera agli abitanti, sempre differenti per ogni città che ospita il progetto Bunker, una chiamata, questa volta non alle armi ma ad un’azione partecipata, un reclutamento per la ricostruzione.  All’intera comunità viene chiesta la donazione di libri a loro particolarmente cari. L’artista si affida al caso, alla scelta libera e incondizionata dei cittadini. Saranno questi libri, segno e forma di cultura a sostenere la terra, a reggere le basi della città per non farla sprofondare, diventando simbolicamente il sostegno della civiltà. 
I cittadini che contribuiscono con la donazione, diventano i veri puntelli, le vere colonne, i sostegni all’installazione che accettano di realizzare, autori di un’opera partecipativa, collettiva, un’opera totale che sorregge tutti dalle profondità della terra.
La cultura sostiene il pavimento sul quale camminano i cittadini e l’opera assume una funzione ciclica con una doppia lettura in alto e in basso, un lato che sostiene il soffitto e l’altro il pavimento, il cielo e la terra, il paradiso e l’inferno: l’opera sostiene la città e la città sostiene l’opera.
Le emozioni sono contrastanti, ad ogni passo, scossi, ci muoviamo in ambienti da cui vorremmo fuggire, il respiro si fa più pesante e tutto ci coinvolge, ci angoscia, ci rende testimoni di vicende passate e attori degli avvenimenti del nostro tempo. Viviamo le proiezioni del nostro essere, ci svuotiamo dalle banalità del presente per riempirci dei carichi della Storia.
Anche quel simbolo che unisce tutti ai valori d’identità e patria, viene svuotato dal suo significato. Bandiere italiane a quarantacinque gradi, in sequenza ritmica, si schiariscono fino a perdere completamente tutti i colori di cui sono composte.
Si penserebbe ad una dissacrazione di quel simbolo con la sua valenza storica, sociale, politica, un oltraggio al primo emblema dello Stato, vilipendio alla bandiera, un reato così grave da essere punito con anni di carcere.
Giangrande cattura la nostra attenzione e ci invita a riflettere su cos’è quell’oggetto che stiamo osservando; la bandiera italiana è come l’impronta digitale del nostro Stato (articolo 12 della Costituzione. La bandiera della Repubblica è il tricolore italiano: verde, bianco e rosso, a tre bande verticali di eguale dimensione).
Quei colori, quegli intervalli, quelle proporzioni, quel design ben definito, rendono quella bandiera solo ed esclusivamente italiana; in nessun’altra parte del mondo può esserci un’altra bandiera come il nostro tricolore e questo vale per tutti gli altri paesi della terra. La bandiera, è un vero e proprio oggetto identificativo, il DNA della propria nazione espresso in un codice universale riconosciuto da tutti, comprensibile a tutti.
L’opera si può osservare con una doppia possibilità di lettura: la prima direzione dello spettatore volge verso il senso di distruzione. Il colore, che è la linfa vitale, il sangue, ciò che identifica una bandiera e uno Stato, scompare in una morte alacre, un dissanguamento lento e inesorabile. I colori via via si annullano e la bandiera diventa bianca, è una bandiera di resa.
La resa, l’arrendersi, non va interpretato solo in senso bellico, ma anche politico, un arrendersi agli eventi, un arrendersi ad una società, alla nostra società priva di certezze, dove tutto è consumato e liquido, una società che ha perso la direzione e si arrende a un destino incerto. Il gesto è violento e diretto, privare una bandiera dai suoi colori è come privare qualcuno della propria identità, del proprio volto, una bandiera che si smaterializza ci rende orfani di una nazione, tutto si annulla, figli di una terra senza nome, ci rende nomadi senza un’identità propria.
Al contrario, però, leggendo l’opera nella direzione inversa, la bandiera da bianca riacquista i colori, si ricarica del suo sangue, guadagna nuovo vigore, si ricostruisce quella bandiera che tutti sappiamo essere la nostra bandiera. Riassume i colori del verde (diritti naturali, uguaglianza e libertà), il bianco (la fede) e il rosso (il sangue versato dai soldati italiani nelle molte guerre a cui hanno preso parte).
Questa tappa, quindi, mette alle strette lo spettatore, è un corpo a corpo che lo costringe a scegliere una direzione di lettura, a schierarsi, a prendere una posizione: da che parte stai?
È un’opera che racconta la storia di tutti gli Stati distrutti e ricostruiti, di tutti quei popoli che hanno conosciuto o che vivono la guerra; è un’opera che parla della Storia ma anche del presente e del futuro perché la storia, purtroppo, si ripete, è un’opera ciclica.
Le capacità visionarie e le intuizioni geniali dell’artista determinano un racconto continuo con una tensione che aumenta passo dopo passo e ogni tappa è un’esperienza che ci segna in maniera indelebile. Queste qualità, assieme alla capacità di cogliere e leggere gli eventi, portano l’artista ad un’azione di recupero e raccolta di quante più copie possibili di due edizioni dell’Unità (datati 30 Luglio 2014 e 31 Luglio 2014) che annunciano in prima pagina “l’uccisione” e la resistenza del quotidiano: “HANNO UCCISO L’UNITÀ/L’UNITÀ È VIVA”.
Giangrande coglie l’occasione, il momento storico, per la realizzazione dell’opera e posiziona le copie del quotidiano in maniera alternata, ricordando la propaganda dell’epoca, ma nel loro alternarsi vivo/morto, scandiscono il tempo della nostra vita, il “salire” e “scendere” sociale, politico ed economico.
Un dualismo del bene e del male, del vuoto e del pieno, della vita e della morte, ricchezza e povertà, un dualismo che è alla base dell’opera stessa com’è alla base di tutto il progetto Bunker. L’alternanza è un ritmo che definisce dei picchi, alti e bassi, un elettrocardiogramma della nostra società, uno spartito musicale, un rullo di tamburi che marca una marcia di guerra o funebre.
La presenza di calchi in cemento di tre paia di scarpe appartenute ad un uomo, ad una donna e ad un bambino, lacerate e segnate da un lungo e tragico viaggio, provocano un cortocircuito con una raffigurazione spietata che aggancia e sensibilizza lo spettatore.
Sono il segno e il racconto di una famiglia in fuga dalla propria terra in guerra, dalla propria patria, dai propri affetti, dal mondo costruito con un cammino proprio. Una ferita della Storia e cronaca contemporanea, una fuga per cercare una vita nuova, una vita che spesso viene persa in mare.
Il cemento utilizzato per la realizzazione di quest’opera assume un valore simbolico, dalla funzione di un gergo mafioso, fare le scarpe di cemento, morti ammazzati che sprofondano in mare con blocchi di cemento, alla volontà dell’artista di realizzare un monumentoalla memoria con un materiale povero, inerte, freddo, grigio, pallido come i corpi rinvenuti in mare. Le scarpe consumate, rotte, segnate dai chilometri percorsi, sono il simbolo del cammino doloroso dell’emigrazione, un cammino difficile che con buona sorte volge alla libertà, ma che con il rovescio della fortuna può rivelarsi in morte.
Giangrande, per la realizzazione di quest’opera, recupera le scarpe da una famiglia di profughi sbarcati a Lampedusa donando loro in cambio delle scarpe nuove come buon augurio affinché il ciclo della vita possa aprirsi a nuovi spiragli e nuove speranze.
Siamo scossi, osserviamo e le nostre angosce emergono, ogni passo si fa più lento.
Presenze di uomini, donne e bambini, in corridoi stretti e lunghi, alcuni in piedi, altri seduti, un uomo stringe una donna quasi a rassicurarla dall’imminente pericolo, i loro sguardi fissi sul pubblico, seguono lo spettatore e fanno sentire la loro fisicità e presenza, uno sguardo inesorabile.
Assistiamo e viviamo una performance che si concentra tutta sullo sguardo, gli attori che interpretano i rifugiati, compiono gesti minimi, sono pressoché immobili, intercettano lo sguardo dello spettatore, lo guardano negli occhi, lo tengono fisso, ancorato con lo sguardo per aumentare il senso di disagio. Lo sguardo è tipico dello shock da bombardamento che produce un distacco dalla realtà, quello che viene definito come disturbo post-traumatico. Le presenze non hanno una semplice reazione emotiva al ricordo degli eventi drammatici, ma rivivono il trauma come se fosse attuale e svanisce la differenza tra vissuto doloroso e presente passato.
L’artista sceglie lo sguardo perché, chi ha vissuto gli orrori della guerra, registra e vive tutto con il primo dei cinque sensi: la vista.
La vista degli orrori della guerra, di un padre morto, della propria casa che crolla sotto i bombardamenti, immagini che restano impresse indelebili nella mente. Quindi, lo sguardo, più di tutti gli altri sensi, non solo registra quelle informazioni, ma viene utilizzato per restituire la drammaticità degli eventi. Gli attori, una trentina circa, in abiti d’epoca curati con dovizia di particolari da Angela Varvara, rievocano una scena surreale, come se fossero degli spiriti, dei ricordi che prendono forma.
L’assenza di ragione umana che produce armi, causa effetti devastanti sull’intera umanità
Giangrande, privandosi di ogni forma di retorica, espone gli oggetti dell’industria bellica con una determinata volontà di rappresentazione carica di significati.
Bombe a mano, svuotate dalla loro carica esplosiva e decorate in foglia oro, sono il manifesto delle spietate leggi del business della guerra, oggetti che causano distruzione e morte, svuotati da qualsiasi valore, producono oro spargendo sangue. Sono tre le bombe, una cifra numerica in antitesi ai valori della trinità cristiana, dottrina di speranza, carità e misericordia per i credenti, alla quale si oppone la crudeltà, miseria e devastazione della guerra. Tre sono anche le età dell’uomo e della donna, tema ricorrente nella storia dell’arte, che in questo caso assumono le forme del contrasto, declino e involuzione.
Le tappe rendono l’intercedere sempre più difficoltoso, il luogo di salvezza si rivela come luogo di pericolo, ogni senso è ormai perso.
Una stanza con solo una branda degli anni ’40, allestita su entrambi i lati con cuscini, lenzuola e coperte d’epoca, dichiara le ristrettezze che si vivevano in quel periodo. Un letto singolo dove dormivano due persone, testa e piedi, quell’oggetto che dovrebbe rappresentare un momento di pace e tranquillità, giaciglio sicuro per ritemprarsi dalle fatiche del giorno, si rivela come simbolo di sacrificio e difficoltà. La branda vegliata da due lumi ad olio speculari, una a destra e l’altra a sinistra e il letto rimboccato dai due sensi, sono la continuità del dualismo che caratterizza la singola opera e la mostra nel suo insieme. Tutto torna in un’immagine onirica.
Il senso di fragilità e insicurezza dell’uomo contemporaneo, l’incertezza e la frammentazione culturale e ideologica, ispirano l’artista alla realizzazione di opere di un’inedita forza espressiva.
È l’ultima tappa o la prima? La direzione è smarrita.
JEDEM DAS SEINE
La tappa di uscita è un taglio netto, una ferita, un passaggio fondamentale che ci fa chiudere l’esperienza nel rifugio ma che apre le porte di quel che potrebbe essere il -lager - della nostra vita quotidiana. L’opera installata dando le spalle al visitatore e volgendo il fronte verso l’uscita, ripropone esattamente la scritta che campeggia sul cancello d’ingresso del lager di Bunchenwald, jedem das seine - a ognuno il suo, mostrando come uno dei più nobili precetti del diritto romano possa tradursi nel più cinico e mortifero segno di odio profanando l’unicuique suum di Cicerone.
La terrificante scritta posta per essere letta volontariamente dall’interno aveva la brutale funzione di far sentire sulla pelle dei detenuti, tutto il disprezzo dei nazisti, per far sentire loro umiliati, offesi e privi di qualsiasi forma di dignità. La stessa forza del messaggio viene ripresa dall’artista in una funzione diversa, per smuovere le coscienze, destabilizzare la certezza dei luoghi e del vissuto, per lasciare il visitatore con un dubbio senza soluzione di forma.
Non c’è più ordine, né disciplina, le emotività esplodono, e non c’è pace e non c’è guerra.
Siamo fuori dal Bunker, ma dove ci troviamo veramente?

Caelum denique!

by Alexander Larrarte
Historical and contemporary art critic

When everything outside turns into debris, when morality and humanity crash down into anguish and misery, in an uncertain time, not guaranteed by any permanent value, a mound of fear and terror is created. Our precarious reality is endangering economy, finance, the environment, nature, it is threatening mankind.
In a state of danger and collective bewilderment, artists become aware of the fact that their job consists not only in the aesthetization of a message, but it is also a tool for conveying a worldview about  the present situation.
Michele Giangrande aims to deconstruct the frozen representation of the world, he puts on an entity in the making, in a free process.
He does it with an experiential itinerant project, where art demonstrates, with intellectual stubbornness, the willingness to dissect the thought, while depriving itself of a systematic support of categories, without any modern dissection of arts which is far back in time by now, and completely lost nowadays.
The artist arms itself with different mediums and solutions of the making and, by assembling a genuine task-force, he realises an ambitious and challenging operation where every piece of art has no title in order to pay homage to all the war victims whose identity has not been established.
The second act, this, of a project conceived to contaminate disparate places, like water that fits all spaces, from landmarks to museum institutions, without losing, but rather renewing the strong emotional impact, a drama which develops into a continuous dialogue with the architectural space.
The narration of the BUNKER project starts off on 25th April 2018, a non-random date, from Corato, in its subterranean passages enveloped in a Medieval ambience with reinforcements in concrete, to Monopoli and its actual anti-aircraft shelters, currently Bunker Museum.
The anti-aircraft shelters of the City of Monopoli, realised between 1942 and 1943 underneath Vittorio Emanuele II square, dug into a block of tufa with planking level to a depth of eight meters, with a section two metres wide and three metres high, form a pattern of  intersected diagonals of about 400 metres. The galleries with stone seats carved out of rock, which are equipped with rudimentary restrooms and air shafts, could accommodate up to 4.200 people.
In this scenery the artist is not only the maker of these pieces, where each work of art is a step of a total and unique experience, but he is also the catalyst of a scene in which the spectators are invited to be co-protagonists.
In these environments, where the signs of man absorbed in his own drama are present, the artist carries out his search, he absorbs the energies of a claustrophobic place of salvation for the drafting of a narration, the presence turns into representation. There is no time left, we need to run for cover into a shelter that is a margin of mental and moral safety. A notice which reminds us of the Regime’s propaganda indicates us the place of salvation, the graphic choice is typical of the ’40s.
Nine are the works/steps to take, just like the circles of Dante's Inferno, designed to be observed, but more importantly lived in a full freedom of reading. The whole installation of the project, including each individual piece of art, has a palindrome aspect, it has a dualism which characterises, but does not determine a path: the first work/step could be the last and vice versa.
At the excruciating sound of an alert siren, a mechanical trap door opens to access the shelter. The route is conceived and designed providing for two pieces, one for the opening and one for the closure, two genuine seals which welcome and dismiss the spectator.
Every step is taken in a stereophonic environment characterised by the music purposely composed by Stefano Ottomano, also used as soundtrack of the documentary film directed by Alessandro Piva on the occasion of the first edition of the project held in Corato. The composition accompanies the visitor in this descent into hell like a modern Virgilio and the setting-up, curated by the set and costume designer Angela Varvara, contributes and amplifies the bubbling of emotions.
Since the first steps the spectator is hit by a feeling of anguish when from the flight of stairs the reassuring notice “STAY CALM! / YOU ARE ALREADY SAFE HERE” counterposes. The inscription is carved into a stone plate (a reproduction of the wall plaque found in the shelter of Monte Soratte, in Sant’Oreste, in the province of Rome) which the artist donates to the city of Monopoli as permanent piece and monition and memory. It is the first step and the first of the writings, such as those which appeared in air-raid shelters during World War II, of a diffused operation, scattered in space. Of a strong conceptual value, it reveals contemporary society’s inner vexation, a society in need of  instruction for use.
“CALM AND ORDER”, “BE QUIET! THE ENEMY IS LISTENING”, “ATTENTION! CALM IS A GUARATEE OF SAVIOR” and “SILENCE! AIR IS PRECIOUS HERE”, necessary messages to survive but also the attempt to subvert our way of living art: “Who defined silence as a reverential acceptation to observe art?”
The viewer is invited to feel free to live art with his own reactions.
Smoke moves the space and the intense smell of incense stuns us, like in a memory which makes the distance in time insignificant.
A forest of construction props supports the vault of the shelter, they insinuate in our path, the pieces of wood usually used at the base and at the top, between the iron and the wall, are replaced with some books. We reconstruct, there is hope of salvation, we have to rebuild a country with stable and strong  cultural bases in order to create a future memory.
The inhabitants, always different for every city that hosts the Bunker project, are entrusted with the reconstruction and realisation of the work by the artist, a call, this time not to arms but to action, a recruitment for re-creation. The entire community is asked to donate books which are particularly important to these people. The artist leaves to chance the choice of the books, which is utterly free and unconditional for the citizens. These books, a form and a sign of culture sustain the ground, they support the foundation of the city in order not to make it collapse, symbolically becoming the support of civilisation. 
The citizens, who contribute with the donation, become the true pillars, the true columns, the support of the installation they accept to create, authors of a collective, participatory work, a total work of art which supports everybody from the depths of the Earth.
Culture holds up the pavement on which the citizens walk and the piece of art takes on a cyclical function with a dual reading at the top and at the bottom, one side supports the ceiling and the other sustains the pavement, Heaven and Earth, Heaven and Hell: the work supports the city and the city supports the work.
These emotions are conflicting, with each step we take, unsettled, we move in environments from which we would like to run away, our breath becomes heavier and everything involves us, troubles us, makes us witnesses of past events and participants of current events. We live the projections of our being, we empty ourselves from the banalities of the present to fill up with the loads of History.
That symbol which unites all values of  identity and homeland, is emptied from its meaning as well. Italian flags at a 45-degree angle, in a rhythmical sequence, lighten until they completely lose all the colours of which they are composed.
Someone may think of a desecration of that symbol with its historic, social and political value, an outrage to the first emblem of the State, desecration of the flag, such a serious crime to be punished with years of jail.
Giangrande catches our attention and invites us to think about what that object we are observing is; the Italian flag is like the fingerprint of our Country (article 12 of the Italian Constitution. The flag of the Republic is the Italian tricolour: green, white and red, three vertical stripes of equal dimension).
Those colours, those intervals, those proportions, that well-defined design, make that flag solely and exclusively Italian; Nowhere else in the world can there be another flag like our tricolour and this applies to every country in the world. The flag is a genuine distinctive object, the DNA of your own nation expressed in a universal code recognised by everybody, comprehensible to everybody.
The work can be observed with a double possibility of reading: the first direction of the spectator turns towards the sense of destruction. The colour, which is the life force, the blood, what identifies a flag and a nation, disappears into a quick death, a slow and inexorable bloodletting. The colours start to fade and the flag becomes white, it is a surrender flag. The surrender must not be interpreted only in a war sense, but also political, a surrender to the events, a surrender to a society, to our society which has no certainty, where everything is consumed and liquid, a society that has lost the direction and which surrenders to an uncertain destiny. The gesture is violent and direct, to deprive a flag from its colours is like depriving someone of their own identity, their own face, a flag that dematerialises makes us orphan of a nation, everything disappears, children of an unnamed land, it makes us nomads with no identity.
On the other hand, by reading the work in the opposite direction, the white flag regains the colours, it refills with its blood, it gains new force, that flag which we all know is our flag rebuilds itself. It regains the colour green (natural rights, equality and freedom), white (faith) and red (the blood shed by the Italian soldiers in many wars in which they participated).
Therefore, this step puts the squeeze on the spectator, it is a single combat which forces him/her to choose a direction of reading, to side with one of the two parts, to line up alongside one of the two: whose side are you on?
It is a work that tells the story of all the States which were destroyed and rebuilt, of all the people that have known or live war; it is a work about History but also about the present and the future because, unfortunately, history repeats itself, it is a cyclical work.
The artist’s visionary abilities and brilliant intuitions determine a continuous tale with a tension that increases step by step and every step is a transformative experience which indelibly marks us. These qualities, together with the ability to gather and to read the events, lead the artist to collect as many copies of two editions of “L’Unità” (dated 30th July 2014 and 31st July 2014)  as possible, which on the front page announce “the murder” and the resistance of the daily newspaper: “THEY KILLED L’UNITÀ/L’UNITÀ IS ALIVE”.
Giangrande takes the opportunity, this historic moment, for the achievement of his project and he places the copies of the daily newspaper in alternate way, recalling the propaganda during those years, but their dead/alive interchanging articulates the days of our life, climbing up and down the social, political and economic ladder.
A dualism of good and bad, of empty and full, of life and death, rich and poor, a dualism which is at the root of the work itself, as it is the foundation of the entire Bunker project. Alternation is a rhythm which defines some peaks, ups and downs, an electrocardiogram of our society, a musical score, a drum roll that marks a war or funeral march.
The presence of concrete moulds of three pairs of shoes which belonged to a man, a woman and a child, lacerated and marked by a long and dreadful journey, cause a short circuit with a ruthless representation which captivates and sensitises the spectator.
They are the sign and the story of a family on the run from their country at war, from their homeland, from their loved ones, from a world built with their own path. A wound of contemporary History and chronicle, an escape in order to look for a new life, a life which is often lost at sea.
The concrete used for the realisation of this work of art has a symbolic value, from the purpose of a mafia slang, to make cement shoes, murder victims who sink into the sea with concrete blocks, to the will of the artist to create a memorial with a poor, inert, cold, grey material, as pale as the corpses found at sea. The worn out, consumed, broken shoes, marked by all the kilometres travelled, are the symbol of the painful walk of emigration, a strenuous road that, with good fortune, leads to freedom, but that, with the reversal of fortune, could turn out to be death.
Giangrande, for the creation of this piece, recovers the shoes of a refugee family disembarked in Lampedusa, giving them some new shoes in return, to bring them luck so that the cycle of life can embrace new possibilities and hope.
We are shaken, we observe and our anxieties emerge, every step becomes more and more slow.
Presences of men, women and children, in long and narrow corridors, some of them standing up, some of them sitting, a man holds a woman tight, almost reassuring her from the imminent danger, staring into the audience, they follow the spectator and make the public perceive their physicality and presence, an inescapable gaze.
We witness and experience a performance which is all about the look, the actors playing the refugees make minimal gestures, they are nearly motionless, they intercept the viewer’s gaze, they look into their eyes, they keep staring at them in order to increase the feeling of discomfort. It is that kind of look typical of the shell shock which produces a dislocation from reality, what is referred to as post-traumatic disorder. These presences do not have a mere emotional reaction due to the memory of dramatic events, but they re-live the trauma as if it were current and the difference between painful past experience and past present vanishes.
The artist chooses the look because, who has been through the horrors of war, records and lives everything with the first of the five senses: eyesight.
The sight of the horrors of war, of a dead father, of your own house collapsing as a result of the bombings, images which are indelibly marked in your mind. For that reason, eyesight, more than all other senses, not only it stores that information, but it is also used to convey the gravity of these events. The actors, about three dozen people, with characteristic clothes of that period curated with an abundance of details by Angela Varvara, recall a surreal scene, as if they were spirits, memories that take shape.
The absence of human reason which produces weapons, causes devastating effects upon the entire mankind.
Giangrande, depriving himself of all forms of rhetoric, exhibits objects from the armaments industry with a determined will to create a representation fraught with meaning.
Hand grenades, deprived of their explosive charge and decorated in gold leaf, are the manifest of the cruel laws of the business of war, objects which provoke death and destruction, emptied of any value, they produce gold by shedding blood. Three are the bombs, a number that is the antithesis of the values of the Holy Trinity, doctrine of hope, charity and mercy for the worshippers, to which the cruelty, misery and devastation of War oppose. Three is also the number of the ages of man and woman, recurring theme in art history, which in this case take the forms of contrast, decline and involution.
The steps make the intervention increasingly difficult, the place of salvation turns out to be a place of danger, every sense is lost by now.
A room with only a cot from the ’40s, set up on both sides with pillows, sheets and blankets of that period, declares the tight circumstances in which people used to live. A single bed where two people used to sleep, head and feet, that object which should represent a moment of peace and tranquillity, a safe pallet to restore from the intensity of the day, reveals itself to be a symbol of sacrifice and difficulty. The cot, watched over by two specular oil lamps, one to the right and the other one to the left and the bed folded back in the two ways, are the continuity of the dualism which characterizes every single piece and it shows it in its entirety. Everything returns in an oneiric image.
The feeling of fragility and insecurity of the modern man, uncertainty and cultural and ideological fragmentation, inspire the artist to realise works of a original  expressive force.
Is it the last step or the first? The direction is lost.
JEDEM DAS SEINE
The final step is a clean cut, a wound, a key point which leads us to the conclusion of the experience in the shelter but which opens the doors of what could be the -lager – of our daily life. The piece installed with its back to the guest and its front to the exit, proposes the same writing which appears on the front gate of the lager of Bunchenwald, jedem das seine – to each his own, showing how one of the noblest precepts of the Roman law can result in the most cynical and lethal sign of hate, dishonouring Cicerone’s unicuique suum.
The terrifying writing, purposely placed to be read from the inside, had the brutal function to allow prisoners to feel on their skin all contempt of the Nazis, to make them feel humiliated, offended, hurt and deprived of any form of dignity. The same strength of the message is overturned by the artist: in this case it has a different function, to shock our conscience, destabilise a certainty of places and of the past experiences, to leave the visitor with a doubt with no solution.
There's no order, no discipline anymore, emotionality explodes, and there is no peace and there is no war.
We are out of the Bunker, but actually, where are we?